El equipo de "Catalunya über alles!" presenta la película en Barcelona

Por Laura Pinilla

 

Ayer se presentó en los cines Icaria la película Catalunya über alles, de Ramón Térmens (Joves, Negro Buenos Aires), que llegará a las pantallas el próximo 30 de septiembre.

Premio Especial del Jurado, Premio del Jurado Joven, Mención especial al actor Babou Cham y VII Premio Ciudad de San Sebastián Film Commission son los premios que la avalan por el momento.

La cinta narra tres historias independientes con algunos puntos en común. Todas se desarrollan en Almacelles, un pueblo de Lleida, aunque, en palabras del director, podrían suceder en cualquier parte.

Gonzalo Cunill (Cargo, La silla) interpreta un expresidiario que vuelve a casa después de cumplir una condena de 19 años por violación. Babou Cham (Cargo, Una casa de locos) es un inmigrante que deberá vestirse con el traje típico catalán para trabajar como cobrador del frac. Y, Joel Joan (Excuses!), un padre de familia modélico que encuentra un ladrón en su casa al volver de vacaciones (historia inspirada en el “caso Tous”).

En todos los casos, los personajes provocan una reacción en la opinión pública, aunque la intolerancia es sólo uno de los temas que se pretenden tratar. “He intentado hacer una película de muchos niveles” – dice el director – “No es un documental, es un punto de vista que pretende entretener y hacer reflexionar al espectador”.

La producción cuenta con un equipo con muchos debutantes (la actriz Diana Iuliana o el director artístico), pero también incorpora actores ya consagrados como Joel Joan, Vicky Peña, o el ya desaparecido Jordi Dauder, en la que ha sido su última película.

El actor estaba tan implicado en esta película, que quiso hacerla aún cuando ya estaba recibiendo un tratamiento de quimioterapia, por lo que acortaron su papel para rodarlo en un día y medio. “Todo lo que veis de Jordi, son primeras o segundas tomas” – comenta Térmens -.

Ramón Térmens destaca la dificultad en la distribución de la película. “Aún hay discriminación por rodar en catalán. Creo que es la primera película que recibe premios en Málaga y San Sebastián y no se estrena en Madrid”.

En relación al acuerdo de Mascarell con las majors, Joel Joan, director de la Acadèmia del Cinema Català, remarca que “siempre defenderé la versión original y, ojalá de aquí a unos años, el debate sea si subtitulamos en catalán o castellano, y no si doblamos”.

Cómo acabar con tu jefe

Por Carla Ramírez

El mundo está lleno de jefes que abusan de su poder con todo tipo de prácticas retorcidas. Personas sin escrúpulos que no parecen tener otra cosa mejor que hacer que amargarle la existencia a todos sus empleados. Estos últimos se ven obligados a aguantar barbaridades con el único fin de mantener el empleo. Pero... ¿qué pasaría si esos trabajadores no pudieran soportarlo más y decidieran tomarse la justicia por su mano? Esta es la situación que plantea Cómo acabar con tu jefe, en la que tres amigos se ponen de acuerdo para liquidar a sus respectivos y lunáticos jefes. La película cuenta con tres actores consagrados en la función de odiosos mandatarios: Kevin Spacey (un psicópata que disfruta ridiculizando a sus empleados y acumulando poder), Jennifer Aniston (una dentista salida que acosa a su ayudante, un hombre prometido y respetuoso) y Colin Farrell (el hijo adicto a las drogas que hereda la empresa familiar y no tiene ni idea de cómo llevarla). Y no son menos importantes los tres frustrados amigos que intentarán acabar con sus vidas: Jason Bateman (Up in the Air), Charlie Day y Jason Sudeikis (ambos en Salvando las distancias).

El film cuenta con muchos momentos divertidos que te sacarán una buena carcajada. Pero en ocasiones la historia parece irse de las manos y se crean situaciones demasiado ridículas para ser creíbles. Con todo, el balance final es muy positivo, sobre todo teniendo en cuenta que cada vez resulta más complicado encontrarnos con una comedia efectiva y con un argumento bien desarrollado. Probablemente no será una de las cintas del género que más te hayan gustado, pero podrás pasar un rato divertido en la sala de cine. Aunque los personajes de los jefes son exageradamente caracterizados consiguen convencer al espectador. Los enamorados de Jennifer Aniston disfrutaran especialmente con los dotes de seducción de la desatada dentista. También hay que destacar la aparición de Donald Sutherland y Jamie Foxx como magníficos secundarios. Con semejante batallón en el reparto será difícil acabar desilusionado con la película.

Brindemos en tu nombre, Charlie Harper

Por Meritxell Terrón.
¿Es capaz de sobrevivir una serie sin su protagonista principal? Según las estadísticas, la mayoría lo son. En España parece ser que somos especialistas en deshacernos del “prota”, substituirlo por los secundarios, dándoles más importancia, y añadiendo algún que otro personaje más que llene ese vacío. 


Nombraré ciertas series como 7 vidas, en la cual Toni Cantó estuvo al frente solamente tres temporadas. Por extraño que parezca, la audiencia comenzó a subir a partir de su marcha y logró permanecer en antena 10 temporadas más. En Sin tetas no hay paraíso, mataron a Miguel Ángel Silvestre en la segunda temporada, pero ésta solo consiguió aguantar otra temporada más, haciendo que Amaia Salamanca pasase a mejor vida hacia el paraíso eterno para reencontrase con “El Duque”. En Yo soy Bea se cambió prácticamente a todo el elenco, llegando incluso a decir que la serie tiene dos partes: la de Beatriz Pérez Pinzón y la de Beatriz Berlanga Echegaray. Hay más series que fueron reemplazando a todos sus personajes principales hasta ser considerada una nueva generación. Es el caso de Compañeros. Que los no tan jóvenes estuviesen siete años para acabar bachillerato provocó que tuvieran que airear la serie, sobre todo después de la pérdida de audiencia. Los nuevos estudiantes lograron mantener a flote la estrella de Antena 3 durante tres temporadas más. Otros ejemplos similares son Los Serrano y Aída, que tuvieron que apoyarse en los actores secundarios.


Pero el resto de países no se salva. Skins es un caso parecido al de Compañeros, solo que ya han llegado a hacer tres generaciones, dedicando a cada una dos temporadas. En CSI Las Vegas llevan dos años conviviendo con la ausencia de William Petersen y Gary Dourdan y con la caída en picado de la audiencia. Para terminar con esta larga lista, está el ejemplo de Expediente X, donde David Duchovny abandonó a Scully para no encasillarse en una serie que se estaba haciendo demasiado repetitiva. Incluyeron a dos personajes más en su lugar, Robert Patrick y Annabeth Gish para intentar reflotarlo, pero fue en vano.


¿Podrán Jon Cyer y Asthon Kutcher mantener el legado de Charlie Sheen? Creo que tienen una carga demasiado importante para ellos. Después de ver el primer capítulo de la nueva temporada me doy cuenta de que el papel de Kutcher se asemeja más a un famoso invitado, de esos que hacen una aparición estelar en un capítulo, todos nos reímos y vuelve a sus quehaceres. Tampoco veo preparado al personaje de Alan para poder llevar el peso de la serie. Por lo tanto, no comparto la opinión de la crítica sobre que Ashton Kutcher ha borrado el recuerdo de Sheen. Creo que aún le queda mucho por hacer para convertirse realmente en su sustituto.
¿Habría sido mejor dar por finalizada la serie después de despedir a su personaje principal? Pues parece que Chuck Lorre tiene la esperanza de que la cara bonita del marido de Demi Moore será capaz de tirar adelante con el vacío que ha dejado el mujeriego Charlie Harper. El co-creador de la serie, en una póstuma venganza para avergonzar al personaje del que venía siendo su enemigo durante el último año, le atribuyó a Charlie Harper una larga lista de enfermedades venéreas e incluso una experiencia gay. Después, Alan derramó sus cenizas por el suelo y el nuevo personaje las pisó, dejando claro su posición en la serie. Prácticamente, su hermano es el único que lamenta su muerte y el resto del reparto parece indiferente e incluso aliviado. Por otra parte, intentó captar audiencia mostrando a Kutcher paseándose desnudo por la casa en varias ocasiones y siendo alabado por su “trompa de elefante”, cosa a mi parecer muy típica y poco lograda.


A pesar de continuar teniendo unos diálogos realmente conseguidos con ese toque de humor tan característico, esos personajes tan irreverentes… creo que la serie solo mantendrá el público que le es fiel por el estilo que tiene y conseguirá aquellos curiosos que se acerquen a ver qué tal lo hace este American Playboy. De nuevo, Alan en el papel de pagafantas y Walden Schmidt (Ashton Kutcher) haciendo de rico vividor. No sé por qué, pero creo que nos han vendido otro perro con el collar del que está muerto.

Ashton Kutcher bate records en su debut en "Dos hombres y medio"

Aproximadamente 28 millones de estadounidenses asistieron al funeral de Charlie Harper el pasado lunes. La novena temporada de la comedia Dos hombres y medio empieza con bastantes cambios: el final del personaje de Charlie Sheen, la incorporación de Ashton Kutcher como Walden Schmidt y varios cameos estelares, entre ellos el de Jenna Elfman y Thomas Gibson, de Dharma y Greg. Para deshacerse del actor principal después de sus problemas con el alcohol, las drogas y su viperina lengua, nada mejor que echarlo a la vía del metro a manos de Rose, que lo encontró en la ducha con otra durante su viaje a París. Por su parte, Walden Schmidt, un joven multimillonario que se hizo rico gracias a negocios en Internet se persona en casa de los Harper después de intentar ahogarse en el mar con el corazón roto.

El propio Charlie Sheen vio el funeral de su personaje y el debut de su sustituto, según una foto que colgó en su Twitter. Por otro lado, sus excompañeros no dudan en comentar el buen ambiente que reina ahora entre el elenco.

A la vista de las cifras obtenidas, el doble que la temporada anterior, los críticos aplauden a la nueva incorporación y vaticinan que seguirá cosechando éxitos de audiencia durante un tiempo.

El show de Truman

Por Joel Vergés

¿Y si?... Esa es la premisa necesaria para que una película como El Show de Truman pueda cautivar al espectador. ¿Quién no ha pensado nunca que el mundo gira a su alrededor? ¿Quién no se ha preguntado si todo lo que ha vivido hasta la fecha ha sido real?...

El film protagonizado por Jim Carrey, cuya interpretación consigue que una película con un argumento que desborda imaginación pueda ser creíble para el espectador (o por lo menos plantee la posibilidad de imaginarse cómo se sentiría uno si todo el mundo fuera una gran farsa), alcanza holgadamente su propósito.

Gran película con excelentes resultados en taquillas americanas. Dirigida a todos los públicos, especialmente a personas con imaginación y ganas de ver algo totalmente diferente a lo habitual.

Larry Crowne

Por Carla Ramírez
Si algo ha quedado demostrado con Larry Crowne es que el simple hecho de contar con dos pesos pesados de Hollywood no garantiza que el producto final sea mínimamente interesante. Y es que por mucho que se esfuercen Tom Hanks y Julia Roberts por conseguir que el film goce de algún ápice de emoción, el guión no da para más. Digo el guión porque la historia podría haberse exprimido mucho mejor y de haberse presentado con otro planteamiento el espectador podría haber disfrutado de una película con fondo y buen argumento. La crisis sirve de punto de partida para explicar la vida de Larry Crowne, un hombre de cierta edad al que despiden del trabajo. Su falta de titulaciones le llevará a matricularse en la universidad, donde conocerá a la atractiva y complicada Mercedes Tainot. Ella, por su parte, intenta sobrellevar la amargura de estar casada con un blogero obsesionado con el porno. A pesar de la buena química palpable entre los dos actores protagonistas, no son demasiados los momentos en los que aparecen juntos, sino que en gran parte se muestran los problemas a los que se enfrentan cada uno por separado. Aunque la atracción entre los personajes es clara en todo momento no se dan grandes pasos para progresar con la historia de dos. No se sabe si por timidez de los personajes o por la del mismo director. 

Una comedia simplona que recurre a muchos de los grandes tópicos universitarios de hoy en día (incluso en alguna ocasión más que de la universidad parecen propios de un instituto). Consigue arrancarnos alguna sonrisa, pero nunca esa nos despega de esa horrible y contínua sensación de que le falta algo. Los mejores momentos se producen en las clases sobre el discurso que ofrece la profesora Tainot, pero no son suficientes para salvar la cinta. El magnetismo de los actores cumple como siempre, pero le viene demasiado grande a una película que, de no contar con Hanks y Roberts, pasaría como un fantasma por nuestra taquilla. Veremos si su presencia es suficiente para llenar las salas de nuestros cines. Lo sabremos a partir del 30 de septiembre.

Dustin Hoffman se estrena como director con "Quartet"

Por Carla Ramírez

Son muchos los actores consagrados que deciden probar suerte desde el otro lado de las cámaras dirigiendo su propia obra. Pero cuando ese gran actor resulta ser Dustin Hoffman la expectación es máxima. Según las informaciones ofrecidas por The Guardian, el norteamericano empezó a rodar este pasado lunes Quartet, la película con la que debutará como director. 

El film se basa en una obra de teatro de 1999 de Ronald Harwood, que narra la historia de cuatro cantantes de ópera bastante entrados en años. El guión de la película está escrito por el mismo Harwood, quien consiguió ganar un Oscar en 2002 por El pianista. Hoffman no ha logrado nunca hacerse con la estatuílla, pero sí estuvo nominado en dos ocasiones por su brillante trabajo en Rain Man y Kramer contra Kramer.

Quartet no solo contará con el talento de estos dos maestros del cine, sino que además el reparto está formado por grandes veteranos como Maggie Smith (saga Harry Potter), Tom Courtenay (Doctor Zhivago), Billy Connolly (Una serie de catastróficas desdichas) y Pauline Collins (Shirley Valentine). Todos ellos excelentes actores británicos que ya están a las órdenes de una de los grandes figuras de Hoollywood.

La cara oculta

Por Carla Ramírez

Existen un sinfín de películas en las que la moraleja final nos demuestra lo peligrosas que pueden resultar algunas bromas de mal gusto. En La cara oculta más que una broma se trata de una puesta a prueba que puede costarle muy cara a la protagonista y ejecutora. 

La vida de Adrián (un director de orquestra protagonizado por Quim Gutiérrez) y su novia Belén (Clara Lago) no podría ir mejor en España. Pero la cosa se complica cuando a Adrián le ofrecen un importante trabajo de un año en Bogotá y ella, enamorada, decide seguir sus pasos. Una vez allí, Belén sufrirá un ataque de celos y decidirá poner a prueba a su pareja haciéndole creer que le deja y que ha desaparecido. Solamente ella conoce la existencia del búnker secreto de la casa en el que se esconde y por culpa de un descuido se queda encerrada sin que nadie tenga alguna pista de su paradero. Para su sorpresa, Adrián recompone su vida rápidamente con Fabiana (Martina García) una guapísima colombiana que está dispuesta a cualquier cosa por permancer al lado del músico.

Una historia de tortura psicológica protagonizada por un fabuloso trío de actores que demuestran que tienen muchos recursos en esto del cine y que son capaces de adaptar su estilo a cualquier personaje. Quim Gutiérrez sube un peldaño más en su carrera hacia la consagración después de su éxito en  Primos y Clara Lago resulta brillante con una actuación firme y auténtica. Son esenciales para ofrecer al film justamente lo que necesita. Su naturalidad se fusiona a la perfección con un guión que pretende ser realista y huye de las reacciones típicas del género de suspense. Dicen lo que cualquier persona en su situación diría y actúan como lo haríamos todos.

La banda sonora es otro de los puntos fuertes de La cara oculta. Música clásica de gran intensidad que ayuda a crear ese ambiente de tensión que mantiene toda la película. La distribución del film en dos partes que nos muestran los diferentes puntos de vista de la historia resulta lo más adecuado para su correcta narración. El buen ritmo de la película te mantendrá interesado de principio a fin y tampoco existen cabos sueltos, todo resulta lógico y absolutamente creíble. 

Eso sí, si váis en busca de grandes sobresaltos y pensando que se trata de una película de miedo puede que os llevéis una decepción. Sustos los mínimos y nada de sueños perturbados al volver a casa. Simplemente tensión y una historia de suspense que os enganchará desde el primer momento. Incluso en varios momentos os sacará una buena sonrisa a causa de esa inesperada naturalidad de la que os hablaba. Y es que son muchas las ocasiones en las que pensaréis: "Si es que es verdad, es justo lo que diríamos todos".  La cara oculta se estrena  hoy mismo y espero que se convierta en uno  de los mejores estrenos de la semana. Desde luego se lo merece.

"La piel que habito", "Pa negre" y "La voz dormida" son las películas preseleccionadas para los Oscar

Por Laura Pinilla

La Academia Española de Cine ha seleccionado La piel que habito, de Pedro Almodóvar; La voz dormida, de Benito Zambrano, y Pa negre, de Agustí Villaronga para representar a España y optar al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Almodóvar ya ha sido nominado en dos ocasiones para este galardón  por Mujeres al borde de un ataque de nervios y Todo sobre mi madre, ganándolo en 1999 con esta última. Además, fue preseleccionado por la Academia en otras tres ocasiones, con Tacones lejanos, La flor de mi secreto y Volver.

La piel que habito, se acaba de estrenada en los cines españoles, es la historia de un cirujano plástico obsesionado con crear una piel que hubiese podido salvar la vida de su mujer.

Recién llegados a esta carrera por los Oscars son Zambrano y Villaronga, aunque ambos saben lo que es triunfar en unos premios como los Goya. El primero, en 1998 con Solas, y el segundo este año 2011 con Pa negre.

Ambos presentan una película sobre la posguerra española, y ambas están basadas en una novela. Mientras La voz dormida (estreno 21 de octubre) muestra el sufrimiento de un grupo de mujeres republicanas en una cárcel franquista, Pa negre se centra en la Cataluña rural de posguerra y la historia de un niño del bando republicano que tendrá que enfrentarse a la realidad de los adultos.

En caso de proclamarse vencedora, Pa negre sería la primera película en lengua catalana que compite para los Oscars. Habrá que esperar al 28 de septiembre para saber cuál es finalmente la escogida.

James Cameron adaptará al cine la serie "Caminando entre dinosaurios"

Por Meritxell Terrón

El director de Avatar y su colaborador, Vince Pace, han firmado para rodar en 3D la adaptación de la popular serie de documentales emitidos por la cadena BBC. La idea es que Cameron use la misma tecnología del film Avatar para dar vida a dinosaurios. La película usará la más novedosa tecnología de animación CGI y está producido por BBC Films, Evergreen Productions y Reliance Pictures. 20th Century Fox tiene los derechos para su distribución en Estados Unidos y ha programado su lanzamiento para finales de 2013.

El sistema de cámaras que utilizan Cameron y Pace, se ha usado en películas tales como Avatar y Transformers: El lado oscuro de la luna, y también en transmisiones televisivas en vivo como el Open de Tenis de Estados Unidos. Con el acuerdo, Evergreen se convierte en la primera empresa con "CPG certificado", lo que significa que tiene exclusivamente la adopción de la tecnología CPG en sus producciones en 3D. 

"Nuestro objetivo era crear una marca que se asociase con la calidad en 3D", dijo Cameron a The Hollywood Reporter. "Para hacer eso, teníamos que tener la mejor tecnología, y lo más importante que formar alianzas y asociaciones con personas que también quieren hacer de alta calidad en 3D. Evergreen y la BBC son perfectos ejemplos de esto". 'Walking with Dinosaurs 3D' se rodará en Alaska, donde Evergreen tiene su sede, y luego se llevará a Australia para la animación. El presupuesto para el rodaje es de 65 millones de dólares, financiado por Reliance Pictures. 

La serie original, rodada en 1999, constaba de seis episodios,  un “Cómo se hizo” y varios episodios especiales rodados después, que mostraba el comportamiento de los dinosaurios como en los documentales corrientes de animales, con ayuda de los efectos especiales por ordenador. La serie, que tenía como narrador al actor Kenneth Branagh fue un éxito de audiencia en la mayoría de países donde se estrenó, además de ser la serie documental con mayor dinero invertido por minuto. A causa del éxito obtenido, la BBC creó varias series secuelas rodadas con el mismo método, pero con épocas, escenarios y protagonistas diferentes, por ejemplo, centrada en la evolución humana.

Críticas enfrentadas: El árbol de la vida

Por Raquel Planas 

Sorprendida. Esa es la primera sensación que he tenido al salir de la sala de cine, pero no ha sido una sorpresa positiva, en absoluto. La verdad es que se me hace muy difícil describir esta película, y mucho más después de las fantásticas críticas que había leído sobre ella.

A mí no me ha gustado nada, incluso me atrevería a decir que es una de las peores películas que he visto en mi vida. La califican de poética, de metafísica, incluso de obra maestra, pero yo creo que se queda en un intento. Un intento de llegar a ser algo superior, majestuoso, incluso diría que celestial por su lado claramente religioso. Pero no llega a nada de esto.

La película es aburrida, tremendamente aburrida. Y es que durante todo el film solo aparecen retazos de imágenes, pero mal unidos. Creo que la ambición ha podido con Malick, que ha intentado explicar un concepto demasiado complejo, como es el sentido de la vida, y ha querido responder a demasiado preguntas de una forma muy compleja y, sobre todo, demasiado abierta.

El final es la confirmación de la decepción que me ha provocado esta película: podría acabar media hora antes o después, que la sensación sería la misma. Solo puedo destacar la gran actuación de los protagonistas, tanto de Brad Pitt y Sean Pean como de Jessica Chastain y los niños. Tal vez será que, tal y como dicen muchos críticos, realmente solo está hecha para mentes privilegiadas, así que debe ser que yo no soy una de ellas.

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Por Joel Vergés

Si en algo estamos de acuerdo la mayoría de espectadores de esta película es que hay dos grandes formas de interpretarla; de obra maestra en forma de poesía audiovisual, o de un film de gran confusión debido al exceso de ego del director (Terrence Malick).

El porqué de esta discrepancia de gustos es debido principalmente a la gran subjetividad que el director quiso dar en este film, con su particular forma de ver el mundo; desde sus inicios en el universo hasta el desarrollo de una familia en los años cincuenta.

Con un reparto de categoría encabezado por Brad Pitt y Jessica Chastain, y con Sean Penn en segundo plano, consiguen el objetivo de la película creando belleza a partir de una actuación brillante y sincera sin prácticamente diálogo.

Si bien una gran parte de la gente cree que el principio de la película es demasiado largo explicando el inicio del planeta y su posterior evolución, también es cierto que es necesario ver detenidamente el largo proceso que permite que todos y cada uno de nosotros estemos hoy aquí. Ésta parte de la película de largos silencios y frases sueltas lleva al espectador a entender todos y cada uno de los hechos que conducen a la vida, y por supuesto, también a la muerte (a partir de la metáfora de la muerte de uno de los hijos al ser aún joven).

Pronto nos damos cuenta de que diferencia rápidamente dos grandes premisas o caminos a seguir en la vida, que determinarán la persona que cada uno será, el de la religión o el de la naturaleza, dejando claro que solo puedes elegir a uno. 

Todos los hechos que se dan en la familia tratada en el film representan el recuerdo de uno de los hijos (Sean Penn) siendo ya mayor, dándose cuenta del gran amor que sentía hacia ellos y lo mucho que los echaba de menos aunque hubiera sufrido tanto por su culpa. La película trata las relaciones entre todos los integrantes de la familia, pero da más importancia a la complicada relación de dos de los tres hijos con el padre.

Si antes he explicado que el inicio de la película era largo pero necesario, el final es largo pero innecesario, ya que repite demasiado el mismo tema del amor familiar sin añadir nuevas formas de enfocarlo, sobrando ya las metáforas de tal amor.

Como conclusión final diré que se trata de poesía en forma audiovisual, y cómo poesía que es, tiene como característica intrínseca una subjetividad que acarrea no gustar a todo el mundo. A parte de eso, la película debería ser un poco más corta, sobrando parte del final. Con todo, es una gran película que recomiendo sobre todo a gente que busque un film complejo, diferente y con una forma de ver el mundo distinta a la habitual. No os dejará indiferentes.

Danny Boyle podría rodar la segunda parte de "Trainspotting"

El director de películas como 127 horas y Slumdog Millionaire no descarta preparar, 15 años, después una secuela de Trainspotting, el film que le llevó a la fama. Entre los proyectos que Danny Boyle emprende actualmente destacan la película Trance y la preparación de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres, así que de momento le será difícil dedicarle tiempo a su nueva idea. 

En principio, el aclamado director espera contar con el mismo reparto de entonces (con Ewan McGregor, Jonny Lee Miller y Robert Carlyle). Eso sí, deberán protagonizar unas historias bien diferentes. Todo apunta a que en esta ocasión algunos de los personajes tendrán hijos y el resto tendrán que decidir qué rumbo tomar en sus vidas. Estaremos atentos a cualquier novedad.

Con derecho a roce

Si bien Nina (la trastornada bailarina de Cisne Negro protagonizada por Natalie Portman) envidiaba a Lily (Mila Kunis) e intentaba imitarla, parece ser que en la vida real ha sido esta última la que ha querido seguir los pasos de Portman. Y es que resulta imposible no establecer comparaciones entre Con derecho a roce, con Justin Timberlake y Kunis, y la muy reciente Sin compromiso, que contaba con Ashton Kutcher y Portman como protagonistas. En ambas historias dos amigos desengañados con las relaciones serias deciden dejar atrás los sentimentalismos y disfrutar de los placeres físicos sin ningún tipo de ataduras. Pero, a pesar de las claras similitudes, si he de quedarme con uno de los dos films me decanto sin dudarlo por Con derecho a roce. Para empezar, la química entre la pareja de actores está mucho mejor trabajada e incluso resulta de lo más natural. Sorprende la total espontaneidad de Timberlake y Kunis, que consiguen convencer en todo momento y en cada situación. Quizá no reiréis a carcajadas, pero una sonrisa permamente os iluminará la cara.

De alguien que es más conocido por sus canciones que por su trabajo en el mundo del cine no se podía esperar nada especial, sin embargo Timberlake ha sido capaz de demostrar que al menos esto de las comedias románticas se le da como anillo al dedo. En cuanto a Kunis, su papel no varía mucho del que ya vimos en Cisne Negro. Sigue siendo una chica atrevida, divertida, atractiva y con unas ganas tremendas de disfrutar de la vida, pero nada de eso quita que consiga enamorar a la cámara con su interpretación y sus enormes y expresivos ojos.

Y no solo por todo ello es acertada la elección de estos dos actores, sino que además no podemos olvidar que contar con dos artistas guapos y de físico perfecto te garantiza que tanto ellos como ellas estén muy interesados en admirar todas sus virtudes en la pantalla grande.

Algunos de los mejores momentos de la película vienen de la mano de tres secundarios de lujo: Woody Harrelson (sus intervenciones provocan las situaciones más cómicas), Patricia Clarkson y Richard Jenkins. En Con derecho a roce encontraréis mucho sexo y mucha teoría sobre las dificultades para conseguir una relación seria, pero también hay lugar para una crítica al romanticismo barato de la mayoría de las películas hollywoodienses y para la crudeza de una enfermedad como el Alzheimer. 

Todos los escenarios, que van a caballo entre Nueva York y Los Ángeles, están pensados para conseguir que el espectador se enamore del estilo de vida made in USA y para que vuelva a casa con unas ganas irresistibles de coger un vuelo y cruzar el Atlántico. Una especie de promoción turística elaborada con naturalidad que logra su propósito con total efectividad. Eso sí, no se alardea de una supremacía mundial y de un patriotismo excesivo, más bien parece que se interiorice una nueva y moderna visión en la que reconocen que no son los amos del planeta. Un gesto que se agradece enormemente. 

Uno de los momentos en los que la película te transmite más energía es el del electrizante flashmob en pleno Time Square. 

Iba al preestreno sin muchas expectativas, tan solo esperando pasar un rato entretenido, y he acabado disfrutando cada escena de la película. Una grata sorpresa que me lleva a recomendaros la película a todos los que sepáis apreciar el nuevo curso que están tomando las comedias románticas. Los interesados podréis ir a verla a partir del 23 de septiembre.

Gwyneth Paltrow se suma al reparto de "Thanks For Sharing"

La actriz estadounidense Gwyneth Paltrow será una de las protagonistas de la película de Thanks For Sharing, con la que Stuart Blumberg debuta como director. Se suma así a un elenco de actores formado por Mark Ruffalo (Shutter Island), Tim Robbins y Joely Richardson (Los Tudor). En este drama romántico que trata sobre un programa de 12 sesiones para rehabilitar a adictos al sexo en Nueva York, Paltrow se pondrá en la piel de Phoebe, una mujer de negocios con mucho éxito que siente una irresistible atracción hacia el personaje que protagoniza Ruffalo, al que conoce en la consulta psiquiátrica en la que recibe la recuperación.

El rodaje de esta película no comenzará hasta otoño de 2012, por lo que tendremos que contentarnos con ver a la actriz en Contagio, uno de los estrenos más importantes de este año, en el que comparte protagonismo con actores de la talla de Matt Damon, Kate Winslet, Marion Cotillard y Jude Law. En nuestro país se estrenará el próximo 14 de octubre. 

El rito

Cuando creíamos que lo habíamos visto todo en esto de practicar exorcismos y luchar contra las perversas intenciones del demonio aparece El rito, una película con muchas influencias claras de sus predecesoras que, a pesar de ello, intenta distanciarse de los tópicos. Y cuando creíamos que Anthony Hopkins no podía crear un personaje tan terrorífico como Hannibal Lecter nos demuestra que a pesar de sus 73 no ha perdido sus dotes de maestro del cine. En esta historia un joven seminarista  (Colin O'Donoghue) acude a Roma para asistir a unas clases de exorcismo, donde se debatirá entre la gran duda de creer o no en Dios y, por lo tanto, en el diablo. Allí conoce al Padre Lucas (Anthony Hopkins) un viejo sacerdote que practica exorcismos en su casa. Con este planteamiento, las similitudes con un clásico como El exorcista parecen bastante evidentes. Sin embargo, existen algunos puntos en los que se pretende innovar. Para empezar, no centra toda su atención en las posesiones demoníacas, sino que se preocupa más por esa falta de fe. Además, los jóvenes no son los únicos que dudan de la existencia de Dios; también los más veteranos parecen pasar ciertas fases de pérdida de sus convicciones religiosas al verse desamparados, abandonados y vencidos.

En cuanto a las escenas que pretenden alterar las pulsaciones de los espectadores, hay que decir que El rito se mantiene a la altura de las circunstancias y las sobrepasa magistralmente en los minutos finales de la película gracias al talento de Hopkins, que presenta una actuación escalofriante. Entre sustos y momentos de tensión disfrutaréis de una película de terror con grandes momentos, aunque también os avanzo que, para bien o para mal, no os quitará el sueño. 
Nos encontramos además con papeles femeninos que adquieren bastante importancia, ya no solo en el caso de la joven poseída (una chica a la que su propio padre ha dejado embarazada) sino también en el caso de Alice Braga (Ciudad de Dios) cuyos actos resultarán ser claves para el desarrollo de la historia.

Posiblemente no será recordada como una de las mejores películas sobre exorcismos, pero os mantendrá entretenidos durante casi dos horas y os servirá para volver a disfrutar de la terrorífica mirada de Hopkins, que nos deja absolutamente a su merced, como paralizados por el shock. Se la recomiendo a todos los amantes del género.

Brad Pitt y George Clooney se convierten en los protagonistas del Festival de Toronto

Vayan donde vayan levantan pasiones entre el público y la prensa. No importa a cuantos festivales de cine acudan ni cuantas obras maestras protagonicen, su estrella brilla cada vez con más fuerza. Hablamos de dos de los artistas más consagrados de Hollywood y es inevitable que todas las miradas se centren en ellos.

A pesar de que Clooney inauguraba hace unas semanas el festival de Cannes con la presentación de The Ides of March, que él mismo ha dirigido, producido, protagonizado, y guionizado, sigue manteniendo la expectación entre el gran público. En su rueda de prensa no ha podido aportar muchas novedades, pero sí ha afirmado que “si el film refleja algo del cinismo que hemos visto recientemente, probablemente es bueno. No está mal colocar un espejo y contemplar algunas de las cosas que estamos haciendo. No está mal mirar cómo elegimos a nuestros representantes. Pero eso no es lo que el film quería hacer.” Junto a él estuvo Ryan Gosling, el protagonista principal de la película, que no acudió a la gran cita italiana.

Brad Pitt, por su parte, no podría imaginar un mejor momento profesional: la semana que viene se estrena en España El árbol de la vida, película que protagoniza junto a Sean Penn, y presenta en el festival canadiense Moneyball, un film que refleja el mundo del béisbol y que promete convertirse en uno de los grandes éxitos de este año.

Clooney, Gosling y Pitt ya empiezan a aparecer en las quinielas para los premios más importantes del séptimo arte y mantienen de este modo su status de grandes fenómenos del cine.

El grupo irlandés U2 fue el encargado de inaugurar dos días atrás la 36º edición del Toronto International Film Festival con el estreno mundial de su documental From the Sky Down y continuará hoy con la presentación de Extraterrestre, el segundo trabajo como director de Nacho Vigalondo.

Stella

Estamos tan acostumbrados a un estilo de cine comercial que cuando surge una película como Stella cuesta un mundo adaptarse a su ritmo, su historia, sus imágenes y sus personajes. Es el gran problema del cine independiente. Por serlo, sus creadores tienen que mover cielo y tierra para conseguir que el público pueda ir a ver sus obras y que, ademas, esté interesado en hacerlo. Y cuando al final acuden a la sala de cine son muy escasas las ocasiones en las que el espectador recomienda la película a sus amigos o conocidos. Tan solo algunos críticos profesionales menos contaminados por el patrón que parecen seguir los films que buscan el éxito en taquilla son capaces de asimilar tanta rebeldía y transgresión cinematográfica. Lamentablemente a mí me queda mucho cine independiente por estudiar y por ello mi experiencia con Stella no ha sido precisamente positiva. La mayor parte del tiempo me invadía una agobiante sensación de espera. Espera a que pasara algo emocionante, nada previsible. Los minutos se volvían eternos y la historia se volvía cada vez más interesante. A pesar de compartir alguna vivencia personal con la niña protagonista en ningún momento me vi reflejada. Parecía que sus circunstancias eran la causa de su comportamiento y su falta de interés por la vida y el mundo que la rodea. Para mí no era más que una excusa que para nada justificaba tanto aislamiento y agresividad. 

Pero no todo son puntos negativos en esta película. Debo reconocer el gran trabajo de la joven actriz que encarna a Stella (Léora Bárbara) y, sobre todo, de Karole Rocher, la mujer que encarna el papel de su madre. Me hubiera gustado que se profundizara más en este último personaje. Poco sabemos de su historia, de cómo llegó a una situación tan desesperada. Su gran actuación sabe a poco por la falta de datos y de información. Otro aspecto que mejora claramente la calidad del film es su banda sonora que conecta a la perfección con cada momento y con los sentimientos de la protagonista. También es buena su intención de mostrar el paso de niña a adulta de Stella, aunque se presente como un proceso acelerado hacia el final de la película. 

En definitiva, un trabajo con buenos propósitos y un gran esfuerzo que se palpa, pero que a mí no consiguió convencerme del todo. Quizá sea eso, que todavía tengo que adaptarme a esta manera de hacer cine. No lo sé. Solo sé que si queréis probar a ver algo nuevo, si estáis cansados de los productos comerciales tenéis que darle una oportunidad a Stella. Hoy se estrena en cines, así que mirad el tráiler y si os llama la curiosidad no dudéis en ir a verla. Si es de vuestro agrado, espero que me digáis cuan equivocada estaba.

 

Criadas y señoras se convierte en un éxito de taquilla en Estados Unidos

Desde que se estrenara el pasado 12 de agosto en Estados Unidos, la película Criadas y señoras ha conseguido superar los 100 millones de dólares de recaudación y sigue siendo nº1 en taquilla. Seguramente no habréis oído hablar del film protagonizado por Emma Stone (Rumores y mentiras), Viola Davis (nominada al Oscar por La duda) y Octavia Spencer, pero visto el éxito que ha cosechado en el país de las estrellas es de esperar que en unos meses esté en boca de todos. La historia se basa en el best-seller de Kathryn Stockett, que llegó a ser nº1 en la lista del New York Times, y se sitúa en la ciudad de Mississippi de la década de los 60, un tiempo en el que la comunidad negra seguía sufriendo una gran discriminación en el país de las libertades. Skeeter (Emma Stone) es una joven poco convencional que acaba de salir de la universidad y sueña con ser escritora. Empieza a trabajar en un periódico local escribiendo una columna sobre cosas del hogar y para hacerlo le pide ayuda a Aibileen (Viola Davis), la criada de su mejor amiga. A partir de esta inusual relación surgirá un proyecto secreto con grandes aspiraciones y con un carácter revolucionario que dará un giro a sus vidas y las de la sociedad sureña.
Las tres mujeres protagonistas se unirán para crear un libro capaz de romper todas esas barreras y de luchar por un futuro lleno de igualdades. Tratarán de demostrar que es posible cambiar las cosas, solamente hay que proponérselo. Criadas y señoras se presenta como una película cargada de emociones, pensada para sacar una gran sonrisa al espectador y transmitirle ese punto de esperanza necesaria para conseguir todo propósito. 
Habrá que esperar hasta el 28 de octubre para verla en España, aunque a principios de ese mes el equipo de la película presentará su trabajo en Madrid. Para que os vayáis haciendo una idea de lo que os espera aquí os dejo el tráiler de la película. ¿Creéis que conseguirá tanto éxito en nuestro país como en Estados Unidos?

El origen del planeta de los simios

Es una práctica cada vez más frecuente en el mundo del cine: cuando un gran éxito ha llegado a su fin se intenta sacar algo más de rendimiento a la historia buscando el origen. Así, se generan grandes producciones cinematográficas de lo más prescindibles e incapaces de hacer honor a la calidad de las originales. En este caso, debo agradecer que hayan querido buscar el origen de uno de los grandes clásicos del cine. El planeta de los simios que protagonizó Charlton Heston en el año 1968 dejaba muchas dudas sobre cuáles eran las causas que habían llevado a la supremacía de los monos. Por ello, se trata de una película totalmente necesaria y que, además, cumple todas las expectativas que se le podían pedir. Incluso introduce un subtema tan interesante como es el de una de las enfermedades que más preocupan en la actualidad: el Alzheimer. Profundiza en este tema lo justo y necesario, evitando que eclipse al asunto central, pero sin llegar a tratarlo de manera superficial. 

En El origen del planeta de los simios nos encontramos con una película con un argumento perfectamente desarrollado, efectos especiales impresionantes y una gran actuación por parte de Andy Serkis, que encarna a César (el simio protagonista) y que después de dejar maravillado al gran público con sus papeles de Gollum y de King Kong ha conseguido que cada vez sean más las voces que piden su nominación a la estatuílla más prestigiosa del mundo del cine. Y no es para menos, porque al ver a Serkis realmente llegas a creer que es un simio el que aparece en pantalla y parece imposible que un hombre pueda imitar todos esos movimientos y gestos con tanta perfección.

En cuanto al trabajo de James Franco, solo puedo decir que es adecuado. Mejora trabajos anteriores (a excepción de 127 horas), pero este joven actor sigue sin convencerme. Uno de los grandes reproches que se les suele hacer a este tipo de películas es el hecho de que los papeles femeninos adquieran una total irrelevancia en el transcurso de la historia. Siento decir que 'El origen del planeta de los simios' sigue cumpliendo una mala costumbre que no logro entender. Si la guapísima Freida Pinto desapareciera por completo, el argumento no perdería ni un solo punto clave ni la más mínima variación. Tocará seguir esperando a que las grandes productoras de Hollywood decidan apostar por las mujeres más allá de su función como florero. 

Llama la atención descubrir que uno de los primeros en probar suerte después de su paso por la saga Harry Potter como alumno de Hogwarts haya sido Tom Felton. Y lo hace además con una gran producción y demostrando que puede aportar grandes cosas en el mundo del cine. La historia no pierde el ritmo en ningún momento gracias a la excelente conexión entre todos los elementos que hacen que esta película sea muy especial. Una historia conmovedora en su primera parte y un final emocionante que te dejarán enganchado al asiento durante casi dos horas. Sin duda alguna, la mejor película del verano.